GIRL

Sinopse: Girl fala de uma bailarina transexual de15 anos que tem problemas de aceitação de seu corpo.

É baseado na história real de Nora Monsecour, uma menina cuja transição de gênero chegou às manchetes da Bélgica quando tinha 16 anos e que sonhava em seguir carreira como bailarina.

Um filme extremamente sensível e que retrata toda a angústia de Lara, seu sofrimento solitário. 

O filme não explica desde quando Victor percebeu que não era um menino. Nem quando a família percebeu. Também não mostra o que aconteceu com a mãe dele/ dela. Lara, então com 15 anos, vive com seu pai, Mathias, e seu irmão de 6 anos, Milo. Lara é uma espécie de mãe para Milo. Cuida dele, dá carinho, o leva na escola... Lara tem todo o apoio do seu pai, ele a incentiva e tenta lhe dar o suporte necessário na sua transição, inclusive acompanhando-a em todas as consultas médicas. Seus professores e colegas de escola e do balé, mesmo sabendo, parecem não ter problemas em aceitá-la. É claro que sempre existe um bullyng, mesmo que velado. Mas o pior inimigo de Lara é o espelho, quando se despe e tenta encarar sua realidade.

O filme é de uma qualidade cinematográfica incrível, mesmo sendo a estreia do belga Lukas Dhont. Também é estreante o ator Victor Polster, que interpreta Lara. Confesso que ele estava tão perfeito que tive dúvidas em algumas cenas: se ele não era mesmo uma menina e que o corpo era montagem. Polster, que aprendeu a dançar na Royal Ballet School of Antwerp, recebeu louvores da imprensa internacional.

A obra, diretor e ator, receberam muitos elogios, prêmios e indicações. Foi indicado ao Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro 2019 e ao Prêmio do Cinema Europeu de Melhor Filme 2018. O filme levou a Queer Palm no Festival de Cannes 2018. O prêmio é oferecido, desde 2010, à melhor produção com temática LGBT. Também ganhou o prestigiado Caméra d'Or, troféu destinado ao melhor longa de um diretor estreante. Victor Polster ganhou o prêmio do juri da Un Certain Regard (mostra paralela do festival) de melhor performance. Entre muitos outros prêmios e indicações.

Mas, como sempre tem os "chatos de carteirinha", Girl vem também recebendo reações negativas, por parte da comunidade LGBT. Tanto pelo fato do ator que encarna a personagem Lara ser um ator cis (cisgênero é o termo utilizado para se referir ao indivíduo que se identifica, em todos os aspectos, com o seu “gênero de nascença”) quanto por cenas consideradas violentas demais.

Em sua defesa, Nora Monsecour, que no filme se vê representada na personagem Lara, afirma que “Girl” conta a história da sua adolescência “de uma forma que não mente e também não esconde. Quem está criticando o filme está impedindo que outras histórias trans sejam compartilhadas com o mundo. Todos os dias vejo pessoas trans lutando por seus sonhos. Eles não são fracos ou frágeis. Dizer que a experiência da personagem não é válida por termos um ator cis ou por ter sido realizada por um diretor cis, acaba me ofendendo” escreveu ela, em carta aberta ao Hollywood Reporter.

Lara é então uma pessoa com um relativo padrão financeiro que permite que ela more em um apartamento com conforto, que possa estudar em uma boa escola e aprender a dançar, que tenha apoio médico e psicológico, que tenha em vista uma cirurgia que permitirá que ela realize seu sonho. E uma família bacana. Aliás, fiquei pensando o tempo todo no sofrimento daquele pai. Mas que nem de perto se compara ao sofrimento dela, porque como disse o diretor, Lara tem forças destrutivas dentro dela, ela é a sua maior antagonista. Voltando a falar do espelho, que é muito presente no filme todo, a Lara nua do outro lado é a sua pior inimiga. Mesmo que seu pai e todos a tratem como menina, que a vejam como menina, a Lara do espelho está lá, desmascarando-a. Para compensar, Lara tenta chegar à perfeição na dança, numa tentativa quase cruel com ela mesma de se ver no espelho da academia e aos olhos do mundo como uma bailarina, uma bailarina mulher.

A partir de 15 de março, o filme estará disponível na Netflix. Pelo que eu entendi, já era pra estar, mas houve uma polêmica após o serviço de streaming anunciar que cortaria uma das cenas do filme, que envolve nudez do ator de 15 anos Victor Polster. O diretor Lukas Dhont lançou uma declaração contra essa decisão. A versão de Girl que estreará na Netflix será então a mesma versão que foi exibida em Cannes e nos cinemas da Bélgica e outras partes do mundo.

(Por: Cecilia Peixoto)

IMDB: 7,2/ 10

Filmow: 3,8/ 5

Minha nota: 3,8/ 5

Ficha técnica:

Nome original: Girl

Outros títulos: Girl: O Sonho de Lara.

País: Bélgica.

Ano: 2018

Direção: Lukas Dhont.

Roteiro: Lukas Dhont, Angelo Tijssens.

Elenco: Victor Polster, Arieh Worthalter, Oliver Bodart.

Nora Monsecour, a bailarina retratada em "Girl"

ADEUS CHRISTOPHER ROBIN

Quem viu o desenho do Ursinho Pooh talvez não saiba que existiu um verdadeiro Christopher Robin (no desenho em português, chamava-se Cristóvão). O filme explica como surgiu a história (não, não é um filme fofo) e como isso afetou toda a família.

Inglaterra, década de 1920, Alan Milne decide mudar-se para um local afastado a fim de encontrar inspiração para escrever. A. A. Milne, como era conhecido, já era famoso, mas estava em um período de estagnação.

Seu filho lembrava que nos seus primeiros anos de vida, a presença de seu pai era quase uma raridade. Ele estava sempre viajando e mesmo quando estava em casa, era sempre trabalhando. Sua mãe cuidava para que ele não atrapalhasse o pai. A mãe também não se ocupava muito com ele, Christopher Robin basicamente foi criado por sua babá, que era muito boa para ele.

Quando eles se mudaram para a casa nova, Robin ganhou um ursinho de pelúcia de sua mãe. Ganhou também outros bichinhos. Christopher batizou seu ursinho de Winnie-the-Pooh: Winnie em homenagem a um urso que sempre via no zoológico e Pooh, por causa de um cisne que haviam conhecido em um feriado. A residência era perto de uma floresta e ele começou a fazer alguns passeios com o pai e pela primeira vez Robin sentia-se em total felicidade, a mãe perto, o pai disponível e sua querida Nou, a babá, todos juntos.

"A minha infância foi maravilhosa, crescer é que foi difícil."

Nos passeios com o pai, Robin, como a maioria das crianças, não parava de tagarelar e de fantasiar, criava aventuras com seu ursinho, com o tigre que podiam encontrar na floresta e, aos poucos, uma história ia se montando na cabeça de seu pai. Até que finalmente foi lançado o livro "Winnie-the-Pooh", que se tornou um grande sucesso mundial. Pooh (Puff) foi nomeado por causa do ursinho de Robin. Outros brinquedos verdadeiros de Robin também emprestaram seus nomes para outros personagens, como Tigrão, Bisonho e Leitão.

Christopher se tornou uma celebridade instantânea pouco tempo depois que os livros de seu pai começaram a chegar nas mãos das crianças no mundo todo. Pessoas de todos os lugares escreviam cartas e vinham até sua casa visitá-lo. E, dessa forma, ele se tornou a estrela de uma campanha publicitária para promover o livro.

E, isso, claramente mexeu muito com a pequena criança. A história de Christopher Robin, que ficou conhecido como Christopher, mas que em casa era apenas Billy, e que queria apenas ser Billy, está, de fato, bem longe da magia e alegrias dos contos de seu pai.

" - Eu não sou Christopher Robin", se queixa, Billy, chorando.

A mãe, sempre formal com ele, a mesma mãe que falava que quase morreu para pari-lo e que dizia para a babá que ela tinha sido contratada para fazê-lo feliz, se isentando assim de sua responsabilidade, lhe diz :

" - Não chore, Billy, não choramos nesta casa."

Ele cresceu e sua relação com seu pai só piorava. Robin teria dito a ele que "quem iria imaginar que aquele ursinho iria nos engolir?" O pai lhe diz, tentando se desculpar: "- Aqueles dias que passamos só nós dois foram os melhores da minha vida." Billy responde: " - Sim, eu sei. Mas você os vendeu."

" - Eu só queria você, Blue." (era como ele chamava o pai)

.A única pessoa que parecia se importar com ele realmente em sua infância era sua babá, Olive, a quem ele se referia carinhosamente como Nou. Ela se preocupava com essa exposição toda do menino. Para Olive, "uma pessoa deve fazer aquilo que ama com a pessoa que ama..."

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Essa parte não está no filme. 

Robin em uma entrevista fez duras críticas a seus pais na frente de milhões de espectadores do mundo todo.

"Me pareceu, quase, que meu pai tinha chegado onde estava, por se apoiar em meus ombros infantis. Que ele roubou de mim meu bom nome e me deixou com nada além da fama vazia de ser seu filho." afirmou ele.

Sua mãe ficou tão chateada que pediu a seus funcionários para que enterrassem a estátua de Christopher para que ela não precisasse olhar mais para a imagem. Após, a morte de A.A. Milne, sua mãe ainda viveu por mais 15 anos e durante esse período apenas se encontrou com Christopher uma única vez. Quando sua mãe já estava bem debilitada, Robin tentou se reaproximar e até mesmo teria implorado para poder ver sua mãe uma última vez antes que ela fizesse sua passagem. No entanto, ela se recusou a recebê-lo.

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Por: Cecilia Peixoto

IMDB: 7,1/ 10

Filmow: 3,8/ 5

Minha nota: 3,5/ 5

Ficha técnica:

Nome original: Goodbye Christopher Robin.

País: Reino Unido da Grã-Bretanha e Irlanda do Norte

Ano: 2017

Direção: Simon Curtis.

Roteiro: Simon Vaughan.

Elenco: Domhnall Gleeson, Will Tilston, Margot Robbie, Alex Lawther, Kelly McDonald, Stephen Campbell Moore.

NO PORTAL DA ETERNIDADE

Vamos falar de Van Gogh? Vamos falar sobre essa interpretação maravilhosa do Willem Dafoe? Ah, fiquei encantada com esse filme, gente. Conheço a história desse grande pintor que muito admiro. Vi "Vincent e Theo", "Com Amor, Van Gogh", li algumas coisas, livros, cartas, mas o filme me trouxe algo de novo, um olhar de alguém que se admitia louco, mas que se sabia vivo, ele queria passar aquela vida para as pessoas, a vida como ele a via, o presente divino que era a natureza que ele pintava através do dom que ele acreditava ter recebido também de Deus. O seu propósito de vida! Como ele dizia, era só isso que ele sabia fazer, então nasceu para fazer isso: pintar!

"- Mas você acha que isso é uma pintura? Seus quadros são desagradáveis." 

"- Deus não me daria um dom para pintar coisas desagradáveis".

Willem Dafoe passou todo o deslumbramento do personagem quando ele sentia a luz do sol tocar seu rosto, aquecer seu corpo, o vento a afagá-lo, a carícia dos milharais por onde ele passava... e nessas horas ele se sentia bem, uma sensação de completude... muito embora talvez lhe faltasse alguém com quem dividir aquilo. Mas também por isso ele pintava, era a sua maneira de se comunicar, de se conectar com as outras pessoas, ele pretendia que elas vissem o que ele via. E enquanto pintava, ele não pensava em nada. Não pensava na sua solidão.

" Eu só quero ser um deles. Eu gostaria de me sentar

com eles pra tomar uma bebida e conversar sobre qualquer coisa. Eu gostaria que eles me dessem tabaco, uma taça de vinho ou simplesmente me perguntassem: "Como vai você hoje?" E eu responderia, e nós conversaríamos. E de vez em quando, eu faria um esboço de algum deles como presente. Talvez eles o aceitassem,e o guardassem em algum lugar. E uma mulher sorriria para mim e perguntaria: "Estás com fome? Gostaria de algo para comer?" "Um pedaço de presunto, um pouco de queijo ou talvez uma fruta?""
Ai, doeu meu coração...

Tem um diálogo muito interessante dele com o Gauguin. Esse último o critica por ele se basear na natureza para pintar, achava que ele tinha que tirar sua pintura de dentro da cabeça, que o que ele pinta pertence a ele. Que não precisava imitar nada, até porque cada pessoa tem uma maneira diferente de ver a mesma coisa. Vincent se defende, dizendo que sabe disso, que ele mesmo cada vez que olhava, via algo diferente, que ele não copiava a natureza, que apenas a libertava. (Que lindo!)

Às vezes ele tinha muita raiva, ele admitia. Eu, no lugar dele, sentiria também, as pessoas perguntavam para ele por que ele pintava, por que ele se considerava um pintor, zombavam dele. Van Gogh não sabia muita coisa, mas a única certeza que tinha era que sim, ele tinha talento, sim, ele nasceu para pintar. "- E o que você faz quando sente raiva?" "- Eu olho para o sol". Vincent adorava os quadros brilhantes, pintados à luz do sol, os girassóis, o amarelo!

Alguém achou o filme angustiante, deprimente, mas eu achei que o personagem transmitiu uma paz, uma paz que vinha da sua fé, da sua certeza. Perguntado se vivia dos seus quadros, ele responde que não, que é pobre, mas que talvez Deus o tenha feito pintar para pessoas que ainda não nasceram.

"A vida é para ser semeada, a colheita não é aqui".

Outra coisa que me surpreendeu no filme foi o elenco. Vi pelo Dafoe e torço para ele ganhar o Oscar, embora não acredite. Oscar Isaac é Gauguin. Mas de repente quem surge? Emannuele Seigner. Mais tarde, Van Gogh aparece conversando com um personagem interpretado por Niels Arestrup. E depois há um outro ótimo diálogo com um padre, que é Mads Mikkelsen! Quando ainda estou me recuperando da surpresa, quem é o ator que interpreta o Dr Paul Gachet? Mathieu Amalric. Fora que ainda tive que voltar ao filme porque nos créditos finais (não deixe de ver os créditos finais), vejo que Vincent Pérez também faz parte do elenco e me escapou. E ainda tem a voz do Louis Garrel lendo uma carta.

A trilha sonora e os belos cenários casam bem com o estilo contemplativo do filme, mas é claro que se você não conhece um pouco da história de Van Gogh e do seu irmão Theo, e de sua conflituosa amizade com Paul Gauguin e de todos aqueles personagens que aparecem ou são mencionados no filme, pode ficar um pouco confuso.

O diretor Julian Schnabel ( O Escafandro e a Borboleta, Basquiat) é também pintor. Considerado um dos mais originais da sua geração, integra-se no movimento do neo-expressionismo, e está representado em alguns dos principais museus do mundo.

"Sim, ele amava o amarelo, esse bom Vincent" 

(Paul Gauguin).

(Por: Cecilia Peixoto)

IMDB: 7/ 10

Filmow: 3,8/ 5

Minha nota: 4/ 5

Ficha técnica:

Nome original: At Eternity"s Gate

País: EUA/ França.

Ano: 2018

Dirigido por: Julian Schnabel

Roteiro: Julian Schnabel, Jean-Claude Carrière.

Elenco: Willem Dafoe, Rupert Friend, Emmanuelle Seigner, Mads Mikkelsen, Mathieu Amalric, Oscar Isaac, entre outros.

Vincent e Theo van Gogh

AMANHÃ E TODOS OS OUTROS DIAS

Amanhã e todos os outros dias, Mathilde (Luce Rodriguez) precisa lidar com a sua mãe. O problema? É que Mathilde tem apenas nove anos e sua mãe é totalmente fora dos padrões. Mathilde precisou amadurecer mais cedo que o normal. Não sabemos exatamente o que tem a mãe dela, é muito amorosa, delicada, mas tem uns esquecimentos. Às vezes sai e não volta, deixando a filha aflita, olhando para o relógio, contando os minutos. Seu pai (Mathieu Amalric) que não mora com elas, procura participar, pergunta se ela está em casa, sente que Mathilde esconde a verdade para proteger a mãe. "Se ela não chegar ate às 21h30, me avise", diz ele. É o horário combinado com a mãe. Às vezes Mathilde força os olhos sobre os ponteiros do relógio para forçá-los a chegar rápido na hora limite e com ela sua mãe chegar também. De vez em quando sua mãe sai e não lembra pra onde tem que voltar. Não são só esquecimentos, ela tem um comportamento estranho também, totalmente inadequado. Vive em uma espécie de fantasia, no "mundo da lua". Quando está bem, pede desculpas à filha. Mathide nunca sabe como vai encontrar a mãe. Como será amanhã e como serão todos os outros dias. Por enquanto, ela segue protegendo-a, numa inversão de papéis, porque ela teme que tirem sua mãe dela ou que a tirem da mãe. E elas têm uma relação muito estreita.

Noémie Lvovsky estudou e se formou em Literatura, e logo em seguida juntou-se ao grupo Les Fémis, em 1988. Lá começou a trabalhar em roteiros de curtas com Emmanuelle Devos e Valeria Bruni Tedeschi, atrizes e cineastas com quem Lvovsky iria firmar parceria em muitos trabalhos no futuro. Juntas, passaram por conceituados festivais de curtas-metragens na Europa antes de começarem a fazer longas. Em 1990, Noémie se formou em especialização em roteiro, área em que se manteve trabalhando no começo da carreira, escrevendo e dirigindo seus projetos.

De fato, foi apenas nos anos 2000 que começou a se aventurar como atriz, estreando nas telonas com Ma Femme Est Une Actrice (2001). Imediatamente foi reconhecida como intérprete e passou a ser recorrentemente indicada ao César, o mais importante prêmio de cinema da França. Enquanto isso, seu filme La Vie ne me Fait pas Peur (1999), premiado no Festival de Cannes, ganhou prestígio e se tornou obrigatório nos currículos das escolas francesas de artes audiovisuais. Hoje Lvovsky já tem passagem e troféus de inúmeros festivais pelo mundo e é especialmente lembrada por Camille Outra Vez (2012), que dirigiu, escreveu e estrelou.

Também nesse, Noémie Lvovsky é diretora, roteirista e atriz. Ela é a mãe de Mathilde. Ela conta que Demain et Tous les Autres Jours é um pouco de sua própria história. Nos créditos finais ela dedica o filme a Geneviève Lvovsky. Pelo pouco que pude descobrir, sua mãe era bem frágil e teve que ser internada em um hospital psiquiátrico quando Noémie tinha apenas nove anos. A diretora prefere dizer que é um filme pessoal e não autobiográfico. Ela se reconhece em Mathilde, mas diz que deixou de contar muitas cenas de sua infância. Como Mathilde, Noémie diz que sentia-se muito preocupada e o mundo lhe parecia muito perigoso.

O filme, contado do ponto de vista da criança, é uma história de amor entre mãe e filha. O primeiro amor da filha é o amor da mãe. Muitas vezes é também o primeiro ódio, mostrando laços que podem ser problemáticos entre mulheres que se conectam de uma forma tão primordial.

"Je ne suis pas une bonne mère" (eu não sou uma boa mãe), diz ela para a psicóloga da escola da filha, quando ela vai encontrá-la, mas não se lembra pra quê.

Um dia sua mãe lhe dá uma coruja de presente. Para proteger essa mãe instável, Mathilde prepara suas refeições, mente para seu pai e precisa usar da imaginação e da fábula para poder lidar com ela. Faz tudo para essa mãe que ama e também é amada infinitamente por ela. Vai bem na escola, mas não é de fazer amigos. A vida que leva a impede de ser como as outras crianças. No seu universo infantil e na sua solidão de não poder desabafar com ninguém, Mathilde passa a conversar com a coruja.

"Sua mãe é um pouco louca", diz a coruja. 

É um drama extremamente comovente e poético. É com imensa doçura que a mãe de Mathilde lhe promete "Amanhã vou começar com o pé direito". Tanta ternura nos leva a perguntar se o filme não é uma declaração de amor de Noémie para a mãe.

Demain et Tous les Autres Jours abriu o Festival de Locarno e foi criticado pela fantasia, mas é justamente ela que permeia a empatia que temos, principalmente com a doença mental da mãe de Mathilde. O filme de Noémie Lvovsky retrata a solidão de seus personagens com gestos e ações que se revelam como tantas carícias gentis e doces. Como uma história para dormir, significa manter as sombras afastadas e dar as boas-vindas à noite vindoura enquanto espera com confiança pelo amanhã. E  pelo depois de amanhã, e por todos os dias seguintes, ...

IMDB: 5,9/ 10

Filmow: 3,8/ 5

Minha nota: 3,8/ 5

*Disponível no My French Film Festival até o dia 18 de fevereiro.

Ficha técnica:

Nome original: Demain et Tous les Autres Jours

Outros títulos: Tomorrow and Thereafter.

País: França.

Ano: 2017

Direção: Noémie Lvovsky

Roteiro: Noémie Lvovsky, Florence Seyvos.

Elenco: Luce Rodriguez, Noémie Lvovsky, Mathieu Amalric, Anais Demostieur.

(Por: Cecilia Peixoto)

PODERIA ME PERDOAR?

Quando a desbocada, antissocial e turrona escritora decadente, Lee Israel (Melissa McCarthy), é demitida por ser pega bebendo no jornal onde trabalhava, ela descobre uma forma criativa de usar seus dons e habilidades literários para manter as contas em dia: a mulher passa a falsificar cartas de personalidades famosas e falecidas, vendendo-as em seguida por um valor alto a colecionadores ou intermediários dos mesmos. 

Outrora com dificuldades para escrever, a escritora quebra o bloqueio e passa a exprimir todo o seu talento em cartas convincentes e escandalosas. Afinal, ela não não tinha que lidar com a ansiedade da crítica por seu trabalho, já que a verdadeira autora das cartas era desconhecida. Quando autenticadores e o próprio FBI começam a desconfiar das atividades ilícitas de Lee, ela decide roubar cartas reais e revendê-las.

O filme é baseado em um crime real. A verdadeira Lee Israel (Leonore Carol Israel), uma biógrafa novaiorquina, roubou, alterou ou escreveu por volta de 400 cartas de personalidades como Louise Brooks, Dorothy Parker e Ernest Hemingway e foi sentenciada a 6 meses de prisão domiciliar, mais 5 anos de liberdade condicional. Seus primeiros grandes sucessos publicados foram as biografias da atriz Tallulah Bankhead e da jornalista Dorothy Kilgallen. Seu terceiro livro, uma biografia não autorizada de Estée Lauder, infelizmente não teve o retorno esperado. Contudo, o maior sucesso de Lee aconteceu após seus crimes, com o livro em que ela narra sua própria história: "Can You Ever Forgive Me?: Memoirs of a Literary Forger" (Poderia me perdoar?: Memórias de uma falsificadora literária). A escritora morreu em 2014 e era tão talentosa que suas cartas se passavam perfeitamente como se fossem reais. Ela incorporava à maneira de escrever de cada personalidade de tal forma que o FBI revelou em 2015 para a Times que é provável que ainda existam cartas falsificadas por Lee circulando por ai.

O longa é profundo, divertido de um modo sutil e sensível (até mesmo bondoso) ao expor uma Lee mais que criminosa, humana. Não é de se admirar que o espectador se pegue torcendo para que dê certo para a personagem e ela não seja pega. Lee é ranzinza e de poucos amigos, ainda sim cativa com seu jeito peculiar e em especial através da atuação visceral de Melissa McCarthy, a qual está em um dos melhores papéis de sua carreira. Em uma cena em especial, a atriz consegue arrancar uma lágrima (ou um balde delas) da pessoa mais dura na platéia. Melissa merece sim todo o holofote e indicação a prêmios que tem recebido nessa temporada e merece ainda mais personagens mais interessantes e cheias de nuances como essa.

A história acontece em Nova York, com locações que já garantem certo charme ao longa. E a trilha sonora impecável e cheia de músicas de Jazz completam a beleza e delícia que é essa história.

IMDB: 7,4/ 10

Filmow: 3,7/ 5

Minha nota: 4/ 5

Ficha técnica:

Nome original: Can you ever forgive me?

País: EUA

Ano: 2018

Direção: Marielle Heller

Roteiro: Nicole Holofcener, Jeff Whitty.
Elenco: Melissa McCarthy, Richard E. Grant, Dolly Wells, entre outros.

(Por: Tom Carneiro)

O PRIMEIRO HOMEM

“É um pequeno passo para um homem, um grande salto para a humanidade.”

Com essas palavras, que ficaram na história, Neil Armstrong foi o primeiro homem a pisar na Lua.

O filme é baseado no livro O Primeiro Homem: A Vida de Neil Armstrong, do historiador James R. Ransen, que trabalhou minuciosamente para fazer jus à importância de Neil: entrevistou mais de 120 pessoas, teve acesso a documentos privados da família Armstrong e gravou mais de 50 horas de entrevista com ele. O resultado é uma biografia rica em detalhes que apresenta a infância de Neil, os bastidores da missão especial Apolo 11, os percalços da fama e a trajetória do astronauta depois da NASA.

Em julho de 1969, mais precisamente no dia do meu aniversário (não vou dizer de quantos), o mundo parou para assistir à primeira pessoa a pisar na superfície de outro corpo celeste que não a Terra.

Protagonizado por Ryan Gosling, em uma interpretação fria e contida, pelo que deverá ser mais uma vez criticado, mas que parece que era exatamente como os amigos o descreviam, Armstrong, discreto e avesso a discussões, foi alçado ao estrelato no instante em que deu aquele primeiro passo na Lua. A mítica em torno do homem se expandia conforme o mundo inteiro acompanhava a saga que definiria a nossa história.

A adaptação do livro é dirigida por Damien Chazelle (La La Land e Whiplash). Já li comentários que o filme é chato. Com duração de 133 minutos, tenho certeza que agradará às pessoas fascinadas por história,pelo espaço e por grandes personalidades. Eu nem senti o tempo passar. Eu li até que o erro foi focar muito na vida do Armstrong. Ué, não é sobre ele o filme??? Pelo contrário, Chazelle teve que cortar várias partes do livro. A edição do livro contém ainda dois cadernos repletos de fotos de Armstrong, sua família e colegas de trabalho, cedidas pelo biografado. Interessante, não é?

Contrariando às expectativas, o filme ficou de fora das indicações às principais categorias do Oscar 2019, recebendo apenas indicações técnicas: melhores Efeitos Visuais, Edição de Som, Mixagem de Som e Direção de Arte.

Algumas cenas podem ser ficcionais, como a da pulseira da filha. Bem, dizer que algumas cenas podem ser ficcionais pode ser considerado um eufemismo para muitas pessoas. Isso porque uma grande parte não acredita nessa história que o homem foi à Lua.

"Durante os anos de corrida espacial, os EUA sempre estiveram um passo atrás da extinta União Soviética, a URSS. Foram os soviéticos os primeiros a enviar astronautas para fora da Terra, a construir estações espaciais, a lançar satélites. 

O jogo só mudaria no dia 20 de julho de 1969, quando o comandante da missão americana Apollo 11, Neil Armstrong, invadiu as televisões do mundo em uma transmissão ao vivo da primeira caminhada humana em solo lunar. 

Apesar das fotografias e pedras coletadas, há quem diga que a aventura lunar não passou de uma produção cinematográfica no deserto de Nevada (EUA), um embuste na disputa por corações, mentes e dinheiro entre os dois blocos da Guerra Fria".

Bem, a intenção do filme não é dar razão nem aos céticos e nem aos que acreditam, mas sim mostrar os fatos relatados. Damien não toma nenhuma posição, apesar que achei que foi bem enfatizado o fato dos americanos estarem cobrando na época os milhões e milhões gastos no projeto em vez de serem usados para matarem a fome. A pressão que eles estavam sofrendo e a obrigação de mostrar resultados. Pessoas morreram também. Era preciso mostrar a importância do sacrifício dessas pessoas.

As teorias mais paranoicas inclusive apontam para a presença de Stanley Kubrick, que, um ano antes da chegada da Apollo 11 à Lua, havia filmado o épico 2001 – Uma Odisseia no Espaço. A lenda urbana do envolvimento de Kubrick com os filmes da Apollo 11 entreteve o diretor ainda em vida – a ponto de ele vestir o personagem Danny, em O Iluminado, com um suéter em referência à mais memorável missão espacial norte-americana. Hahahaha.

Mas então, o foco no filme é contar a história pessoal de Armstrong, até porque todo mundo já sabe como a história da corrida para ir à Lua termina. First Man é também uma verdadeira experiência sonora e visual. Chazelle consegue criar uma tensão até mesmo nas cenas que já sabemos que serão bem sucedidas. Issó é um grande mérito. O diretor também consegue passar a tensão da decisão do astronauta por fazer uma viagem que tinha uma grande chance de não ter volta, a tensão da despedida dele da família e apesar de tudo, da coragem de sua esposa, Karen, interpretada pela atriz Claire Foy.

O Presidente dos EUA, na época o Nixon, tinha discurso preparado, caso houvesse um desastre com a Apollo 11:

"— O destino quis que os homens que foram explorar a Lua em missão de paz descansem em paz. Que cada ser humano que olhe para a Lua afora ou nas noites que virão saiba que existe um canto de outro mundo que será sempre da humanidade." A agenda do presidente norte-americano também incluía telefonemas para as viúvas com as condolências do governante dos Estados Unidos. Após as despedidas, seria dada a ordem ao controle da missão para cortar as comunicações. O cerimonial da agência espacial norte-americana ainda previa um enterro no mar para os dois astronautas.

E você, faz parte dos que acreditam ou não que Neil Armstrong foi o primeiro homem a pisar na Lua?

IMDB: 7,5/ 10

Filmow: 3,7/ 5

Minha nota: 3,8/ 5

Ficha técnica:

Nome original: First Man.

País: EUA

Ano: 2018

Direção: Damien Chazelle

Roteiro: Josh Singer, Nicole Perlman. 

Elenco: Ryan Gosling, Claire Foy, Corey Stoll, Jason Clark, Kyle Chandler, Brady Smith, Brian d'Arcy James.


(Por: Cecilia Peixoto)

GREEN BOOK: O GUIA

Donald (Don) Walbridge Shirley nasceu na Florida, filho de mãe professora, que ele perdeu quando tinha apenas 9 anos, e pai sacerdote episcopal, ambos imigrantes jamaicanos. Don começou a aprender piano quando tinha apenas dois anos de idade. Continuou aprendendo com pessoas e em lugares renomados. Obteve o doutorado em Música, Psicologia e Artes Literárias, após desistir temporariamente do piano. Ele falava oito línguas fluentemente e era um talentoso pintor.

Frank Anthony Vallelonga era mais conhecido como Tony Lip e nasceu na Pensilvânia, filho de pais italianos e cresceu no Bronx, perto da casa de infância de John Gotti, um gangster ítalo-americano e chefe da Família Gambino de Nova Iorque. Ganhou seu apelido Lip porque podia ser muito "persuasivo".

No início dos anos 1960, formava-se uma parceria entre Tony e Don Shirley, quando Tony, desempregado, aceitou a oferta do pianista para acompanhá-lo por dois meses em uma turnê como seu motorista e guarda-costas.

O filme Green Book é a inspiradora história dessa viagem pelo sul segregado e da amizade do chofer italiano-americano "casca grossa" e o virtuoso pianista afro-americano Dr. Don Shirley.

Dois anos antes da morte de Vallelonga, Nick, um dos seus filhos, fez um documentário para comemorar seu 80º aniversário e parte desse doc. foi adaptado para o filme.

Podemos dizer que Green Book é uma releitura de Conduzindo Miss Daisy, de Bruce Beresford. Quem viu, não esquece da história de uma senhora judia de 72 anos que reluta em contratar um motorista negro no sul dos EUA mas, com o passar dos anos e a convivência diária, eles se tornam grandes amigos. No longa de Peter Farrely a situação se complica ainda mais, porque o motorista é branco e o patrão é negro, o que gera olhares preconceituosos e críticos. O livro verde a que o título faz referência é um guia que existiu realmente. Nele eram listados estabelecimentos que aceitavam servir negros no sul, onde a segregação racial era institucionalizada pelos estados.

O drama racista, além de ser uma história deliciosa de amizade e de trocas, não sei qual dos dois ali aprendeu mais com o outro, merece ser visto pelas excelentes interpretações de Viggo Mortensen, de quem fiquei mais fã ainda, e Mahersala Ali. Vencedor do prêmio principal do Festival Internacional de Cinema de Toronto, Green Book: O Guia levou três prêmios no Globo de Ouro 2019: Melhor Comédia ou Musical, Melhor Roteiro e Melhor Ator Coadjuvante para Mahershala Ali. Viggo Mortensen também foi indicado. Fortes termômetros para o Oscar 2019, que se aproxima.

A vida de Vallelonga foi extraordinária, o filme resume-se ao trabalho dele com Don, mas dez anos depois ele também fez sua estreia como ator! O menino que cresceu ao lado de um gangster mafioso, que trabalhou como segurança em clubes de mafiosos, tem a oportunidade de interpretar o chefe do crime Carmine Lupertazzi na série The Sopranos, da HBO e fazer vários papéis também no cinema, como The Godfather, Os Bons Companheiros. Tony trabalhou como maitre no Copacabana, onde teve a oportunidade de conhecer muitas celebridades. O Copacabana é uma boate de Nova York . Muitos artistas, como Danny Thomas , Pat Cooper e a equipe de comédia de Martin e Lewis , fizeram sua estréia em Nova York no Copacabana. A canção de Barry Manilow " Copacabana " (1978) leva o nome do clube. A boate foi usada como cenário nos filmes: Goodfellas , Raging Bull , Tootsie , The Purple Rose do Cairo , Carlito's Way , The French Connection , Martin e Lewis , Green Book e Beyond the Sea. De acordo com o site de seu filho Frank, Vallelonga conheceu Francis Ford Coppola e o diretor de elenco de O Poderoso Chefão , Louis DiGiaimo no Copacabana, o que o levou ao seu pequeno papel no filme.

Tony não ficou por aí e também foi co-autor de um livro de culinária! Como visto no filme, uma das maiores paixões de Vallelonga era a comida, em especial as refeições italianas caseiras. "Shut Up and Eat" expressa um sentimento de orgulho por sua herança.

Que me desculpe o Mahersala Ali e seu personagem, mas estou cada vez mais apaixonada pelo Viggo e seu personagem Tony Lip. Sensacionais os dois!

IMDB: 8,3/ 10

Filmow: 4/ 5

Minha nota: 3,9/ 5

Ficha técnica: 

Nome original: Green Book.

País: EUA

Ano: 2018

Direção: Peter Farrelly

Roteiro: Peter Farrelly, Brian Hayes Currie, Nick Vallelonga.

Elenco: Viggo Mortensen, Mahershala Ali.

AMOR E REVOLUÇÃO

O filme prende bastante a atenção e devo destacar aqui a interpretação de Michael Nyqvist, ator de Millennium, que infelizmente faleceu em 2017. Pelo papel de Paul Schäfer, um ex-militar nazista, ele foi indicado ao Prêmio do Cinema Alemão de Melhor Ator Coadjuvante.

"Chile, 1973. Em meio ao golpe de estado que derrubou o presidente eleito Salvador Allende e possibilitou a ascensão do ditador Augusto Pinochet, as massas estão nas ruas protestando, entre eles um casal alemão, Lena (Emma Watson) e Daniel (Daniel Brühl)".

Dirigido pelo alemão Florian Gallenberger, que teve seu filme "Quiero Ser" premiado com o Oscar de Melhor Curta de Live Action em 2001, Colonia (nome original) é, infelizmente para a humanidade, baseado em fatos reais.

"A ditadura chilena não é um tema desconhecido para o ator alemão que nasceu em Barcelona e cuja mãe é espanhola. Daniel Brühl conta que, “quando era criança (…) houve mesmo uma família de chilenos exilados que viveu lá em casa. Os meus pais estavam muito envolvidos nas questões chilenas e portanto tive uma relação com o Chile, com a sua cultura e a sua história desde tenra idade”."

Já a atriz britânica, nascida em Paris, explicou aos jornalistas os motivos que a levaram a aceitar o papel de Lena, a noiva de Daniel: “Muita gente me pergunta se escolhi esse filme por causa do meu interesse recente pela política. Mas, a verdade é que adorei o papel. Claro que é também uma época em que estou interessada, mas foi a personagem que me atraiu para este filme”.

Uma outra personagem que vai aparecer ao longo do filme e que eu sabia que conhecia mas custei a lembrar é a Ursel. A atriz é Vicky Krieps, a Alma de Trama Fantasma.

Bem, voltemos ao filme. "Quando Daniel é levado pela polícia secreta de Pinochet, Lena procura por ele e descobre que seu amado está em um lugar chamado Colonia Dignidad, uma suposta missão de caridade dirigida por um pregador (Michael Nyqvist), só que na verdade é uma prisão de onde ninguém nunca escapou. A fim de encontrar Daniel, a moça decide se juntar ao culto religioso da Colonia".

Amor e Revolução se centra mais na ação do que no contexto histórico. Gallenberger disse que o objetivo dele foi focado mais no entretenimento, em contar uma história fascinante, mas não deixando de despertar no espectador o interesse pela história da ditadura chilena.

O roteiro tem suas falhas e um certo exibicionismo no final. Acredito que o casal de protagonistas é ficcional, não encontrei nenhuma referência a eles. Mas a Colônia Dignidad é verdadeira e seu líder idem. Outra coisa que não gostei é que o filme se passa no Chile, Daniel e Lena são alemães, mas o idioma é inglês.

A Colônia Dignidade é um assentamento fundado no Chile em 1961 por Paul Schäfer, um ex-militar nazista, acusado de abuso infantil na antiga Alemanha Ocidental. Está localizada na comuna de Parral, província de Linares, na região do Maule. Se tornou famosa como centro de detenção e tortura nos tempos da ditadura de Augusto Pinochet, embora de fachada fosse apenas uma seita de "excêntricos inofensivos". Vídeos de residentes felizes em meio a celebrações e comemorações eram divulgados mas, lá dentro atrocidades e abusos eram cometidos.

O local era cercado por arame farpado, cercas e apresentava uma torre de vigia e luzes de busca, segurança máxima. Mais tarde foi relatado conter também armas secretas, que eram comercializadas. Poucas pessoas conseguiram escapar da fortaleza e denunciaram os abusos e o trabalho escravo.

Após décadas de abusos e torturas, Paul Schaefer foi preso em 2005, somente em 2005, vejam só! Depois de chegar no Chile, Schaefer transformou os 230 ‘colegas alemães’, que deixaram o país com ele, em escravos. Famílias foram separadas e crianças conduzidas a uma casa onde Schaefer mantinha um apartamento privativo. No local, meninas e meninos eram criados nos moldes da cultura germânica e abusados pelo soldado nazista. O isolamento da colônia permitiu que as torturas e os abusos permanecessem absolutamente em sigilo. Alguns torturadores escaparam ilesos, como o administrador do hospital de torturas Harmutt Hopp, que fugiu para a Alemanha.

Mais da metade dos antigos colonos voltaram para a Alemanha e o local se tornou um lugar de lazer e diversão. Muitos pedófilos e torturadores, no entanto, continuam vivendo normalmente na aldeia. Apesar dos esforços dos advogados das vítimas, ninguém foi indenizado até hoje.

Schafer morreu em 2010, em Santiago, Chile, aos 89 anos.Foi tarde, muito tarde!

IMDB: 7,1/ 10

Filmow: 3,9/ 5

Minha nota: 3,4/ 5

Ficha técnica:

Nome original: Colonia.

País: Alemanha/ França/ Luxemburgo.

Ano: 2015

Direção: Florian Gallenberger

Roteiro: Florian Gallenberger, Torsten Wenzel.

Elenco: Emma Watson, Daniel Brühl, Michael Nyqvist, Vicky Krieps.

ROMA

Em primeiro lugar (eu ia escrever "primeiramente", mas essa palavra sempre me lembra "fora uma certa pessoa"), ... então, em primeiro lugar, quero agradecer ao Cuarón por fazer um filme abordando tantos problemas femininos. Na minha cabeça, enquanto via o filme, só vinham as músicas de Chico Buarque, que é um dos homens que mais entende a alma feminina.

Tudo começou nos primórdios dos tempos, segundo a Bíblia, quando Eva foi feita de uma costela de Adão. A mulher como uma parte do homem, quando na verdade é a mulher que mantém em seu ventre um filho por tantos meses e que o pare. A partir daí, coube à mulher a culpa de tudo nesse mundo, quem mandou Eva comer a maçã? Aos homens sempre couberam as glórias, às mulheres o castigo de sangrar todo mês, algumas com muita cólica, e as dores do parto. Isso é apenas uma amostra do que elas teriam que passar. Algumas são aparentemente elogiadas: "por trás de um homem de sucesso, há sempre uma mulher de fibra".

Nós, mulheres, já nascemos com culpa. Sentimos uma imensa dor quando precisamos deixar nossos filhos para trabalhar para sustentá-los. Sentimos culpa se chegamos cansadas e sem energia para sentar no chão com eles e brincar. Se um pai abandona o lar, nos sentimos responsáveis pelo sofrimento dos filhos. 

Cleo sentiu-se culpada por engravidar. Envergonhada. Por não ser casada, por se deixar iludir, por ter que contar para sua patroa. Fermin simplesmente abortou o filho. Sim, esse é um caso de aborto masculino. Mas a culpa foi dela, quem mandou se envolver com ele? Cleo sentiu-se culpada por não desejar aquele filho, por não amá-lo como uma mãe deve amar. Logo ela, que ama tanto os filhos de sua patroa, não é capaz de amar o seu próprio. 

À mulher cabe o bom funcionamento da casa, sejam elas patroas ou empregadas. Cleo cuida das crianças e também da enorme casa e dos enormes cocôs do cachorro, que tem que limpar toda hora. Brincando com uma das crianças, ela declara que é bom "estar morta". O marido de Sofia chega em casa e reclama de tudo, está insatisfeito, Sofia diz que vai falar com as empregadas. Afinal, a culpa é dela também. Não dele, que nunca está presente e não ajuda em nada.

Sofia diz para Cleo:

"Estamos sós! Não importa o que fazemos, estamos sempre sós, as mulheres".

O filme foi o vencedor do Leão de Ouro, em Veneza. É aos poucos que Roma nos seduz. Sua bela fotografia em preto e branco retratando os anos 70 no Mexico vai ganhando matizes aos nossos olhos encantados. Um retrato tão perfeito do cotidiano, que nos sentimos da família. O universo dos patrões. O universo das empregadas. Dois universos bem diferentes, mesmo que os patrões digam que elas são da família. Mesmo que elas se dediquem, como a Cleo a dar carinho e amor e toda atenção para uns filhos que não são seus. Mesmo que tenham que escutar caladas críticas sobre seu trabalho e elas próprias só possam reclamar umas com as outras no seu quartinho dos fundos.

O início mostra a entrada de uma casa e o seu piso sendo lavado com sabão e mangueira. A câmera se detém alguns minutos ali, a mostrar a espuma se dissolvendo na água, como os sonhos da empregada que nunca vai ter uma casa como aquela.

Distribuído pela Netflix e exibido em seu catálogo desde o dia 14 último, Roma foi também lançado em salas de cinema, para garantir que possa ser selecionado para competir por outros prêmios, como o Globo de Ouro e o Oscar. O diretor mexicano já levou um Oscar de Melhor Direção em 2014, por seu filme Gravidade.

Eu me perguntava o motivo do título. Descobri que tem a ver com a própria infância de Cuarón, que foi criado na Colônia Roma, um bairro de classe média da Cidade do México. Ele homenageia com o filme as mulheres que o criaram.

É pelo olhar da personagem Cleo, interpretada por Yalitza Aparicio, 24 anos e nenhuma experiência como atriz, que a vida da família do filme e também da família Cuarón são recriadas. Cuarón queria uma pessoa nativa para interpretar a protagonista. Desempregada, ela se sentiu atraída pelo anúncio. A mãe de Yalitza foi doméstica e mesmo ela, formada professora, também já trabalhou em casas de família e como no papel, também cuidou de filhos dos outros.

Cuarón insere a história familiar na história do México, reconstituindo uma tremenda repressão das forças armadas a um movimento estudantil da época.

O fato é que Roma contêm cenas que dificilmente se apagarão da mente de quem assistiu. São imagens carregadas de conteúdo que só um cineasta muito sensível poderia elaborar. É justamente na simplicidade dos acontecimentos que está a força do filme. Amei!

IMDB: 8,6/ 10

Filmow: 4,6/ 5

Minha nota: 4,3/ 5

Ficha técnica:

Nome original: Roma.

País: EUA/ México.

Ano: 2018

Direção: Alfonso Cuarón

Roteiro: Alfonso Cuarón.

Elenco: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Nancy Garcia Garcia.